Cottet, un pintor entre París y Bretaña

Nacido en Le Puy-en-Velay en 1863, formado en París y profundamente marcado por Bretaña, Charles Cottet pertenece a esa generación de artistas que, a finales del siglo XIX, buscaron una pintura más grave, más humana y más enraizada. Asociado a la Bande noire, junto a pintores como Lucien Simon, Edmond Aman-Jean, André Dauchez o René Ménard, se distinguió por una paleta sombría, composiciones densas y una atención especial hacia las vidas humildes. Su pintura se aleja de la ligereza luminosa del impresionismo. En su obra, el color nunca es solo decorativo: sirve para dar peso a los seres, a los gestos y a los lugares.

Fue en Bretaña donde Cottet encontró su gran tema. Allí pasó largas temporadas entre 1885 y 1913, especialmente en Camaret, Ouessant y Sein, que se convirtieron en lugares esenciales de su obra. Pero su mirada no pertenece al folclore. Allí donde otros artistas se interesaban por el traje, la escena pintoresca o el color local, Cottet miraba la vida dura de los pescadores, la pobreza, la dignidad, la espera y la presencia constante de la muerte.

No pintó tanto el trabajo de la pesca como todo lo que lo rodeaba: las partidas, las comidas de despedida, las mujeres que rezan, las familias que permanecen junto al mar. El Tríptico de despedida, grabado conservado en la Colección Zuloaga e inspirado en el gran tríptico En el país del mar: Los que se van, La comida de despedida, Las que se quedan, conservado en el Museo de Orsay, resume con fuerza este universo. La composición evoca la tristeza de las separaciones familiares en las costas bretonas: los que parten, la comida del adiós, las que permanecen. En Cottet, Bretaña no es un decorado: se convierte en el escenario de una humanidad silenciosa y universal.

España vista por Cottet

España entró en la obra de Charles Cottet por una puerta esencial: su amistad con el pintor español Ignacio Zuloaga. Los dos artistas se aproximaron en el París de finales del siglo XIX, en torno a la Bande noire y a la Société nouvelle de peintres et de sculpteurs. Compartían un mismo gusto por los temas populares, las tonalidades oscuras y los mundos rurales, lejos de las modas de la ciudad moderna.

En el marco de esta amistad, Cottet viajó a España en 1904. Allí descubrió varias ciudades de Castilla: Ávila, Segovia, Toledo y Burgos; antes de visitar a Zuloaga en su taller de Segovia en el otoño de 1905. Aquel viaje no fue un simple desvío: abrió en su obra una verdadera etapa española. En el Salón de París de 1905 y, después, en la exposición de los Pintores Orientalistas, Cottet presentó una importante serie de vistas de Salamanca, Segovia y Ávila, que revelaron una nueva faceta de su talento.

Ante España, Cottet no busca la imagen brillante o decorativa de las postales. Su mirada se posa en las piedras, las murallas, los puentes, las siluetas de las ciudades antiguas y la soledad de los paisajes. Léonce Bénédite, gran crítico de arte de la época, vio en aquel encuentro una revelación: la «aspereza de la tierra española» habría marcado a Cottet como un «eco meridional de la melancolía de su Bretaña». La Castilla que pinta es austera, interior, silenciosa. Bajo una luz más ardiente, encuentra en ella una gravedad próxima a la de Bretaña. Entre el resplandor del cielo, la dureza del suelo y la majestad de los monumentos, España lo marcó profundamente.

Algunos años más tarde, el pintor decidió volver a España. De aquel nuevo viaje trajo impresiones de Burgos, Córdoba, Ávila y Segovia, a veces en forma de acuarelas o dibujos de una gran sencillez.

Así, ante las ciudades españolas, Cottet conserva la misma mirada profunda que había posado sobre los pescadores bretones. No se limita a representar monumentos: capta una atmósfera, una luz, una memoria. Sus vistas españolas testimonian su interés por una España interior, hecha de ciudades de piedra, tradiciones antiguas y paisajes cargados de historia.

Cottet y Zuloaga: lo rural como «alma de la patria»

La relación entre Cottet y Zuloaga no se limita a una amistad artística. Permite también acercar dos miradas dirigidas hacia mundos populares, antiguos y amenazados por la modernidad. A finales del siglo XIX, la industrialización, el éxodo rural y la uniformización de las ciudades transformaron profundamente Europa. Frente a estos cambios, algunos artistas buscaron en los campos, los pueblos y las regiones aisladas una verdad más enraizada.

Cottet encuentra esa verdad en Bretaña, junto a los pescadores, sus familias, las partidas al mar y los paisajes duros. Zuloaga la busca en Castilla, en los pueblos, las figuras populares, los gitanos, los campesinos y las tierras austeras de la España interior. Ambos van más allá del simple folclore: los pescadores bretones de Cottet, como las figuras populares de Zuloaga, son representados con dignidad, como guardianes de una memoria y una identidad profundas.

En Zuloaga, esta búsqueda conecta con las preocupaciones de la Generación del 98, para la cual Castilla se convirtió en un territorio esencial para pensar la identidad española. En Cottet, Bretaña desempeña un papel más íntimo y pictórico: es el lugar de una humanidad grave, silenciosa, profundamente ligada al mar. De Bretaña a Castilla, sus obras parecen plantear una misma pregunta: ¿Dónde se conserva el alma de un país, sino en sus tierras más duras y en quienes las habitan?

FUENTES

André Cariou, «Le peintre Charles Cottet et la Bretagne», Annales de Bretagne, tome 80, nº 3-4, 1973, p. 649-665.

Léonce Bénédite, préface du catalogue Exposition Charles Cottet, Galeries Georges Petit, Paris, 14 juin-13 juillet 1911, Paris, Imprimerie Georges Petit, 1911.

Dena Crosson, Ignacio Zuloaga and the Problem of Spain, thèse de doctorat, University of Maryland, 2009.

Rapports du jury international. Exposition universelle internationale de 1900 à Paris. Tome premier, Paris, Imprimerie nationale, 1904.

Documentation interne de la Collection Zuloaga sur les œuvres de Charles Cottet conservées dans la collection.

OBRA DE BIENVENIDA

Nacido en Barcelona, el artista Joan Miró se encargó de dejar su huella en su ciudad natal. Pintor, escultor, grabador y ceramista, fue uno de los pioneros del surrealismo, donde el subconsciente era su principal campo de exploración. Comenzó con influencias del cubismo y el expresionismo, pero tras sus vivencias en París, su arte dio un giro y sus obras incorporan formas infantiles, simples y procedentes de la cultura popular desde un lenguaje surrealista cada vez más abstracto.

Hay ciudades que te reciben con carteles, pero Barcelona lo hace con arte. En la fachada exterior de la Terminal 2B del Aeropuerto Josep Tarradellas Barcelona-El Prat, Miró quiso dar la bienvenida con un mural cerámico monumental de unos 500 metros cuadrados de superficie (50 metros de ancho y 10 metros de alto). En colaboración con el ceramista Josep Llorens Artigas, este gran mosaico asegura al visitante una inmersión artística en su escapada a Barcelona.

Con motivo de la inauguración de la actual Terminal 2B en 1968, el Ayuntamiento de Barcelona encargó a Joan Miró la creación de esta gran obra destinada a ser contemplada al llegar al aeropuerto. Una vez recibido el encargo, el artista catalán elaboró una maqueta en 1969, y en 1970 Miró y Artigas dieron forma al mural, compuesto por casi 5.000 piezas de cerámica, el cual alcanza un peso aproximado de 35 toneladas. La obra fue finalmente inaugurada el 18 de marzo de 1971.

Las 4.865 piezas cerámicas de colores intensos y llamativos son irregulares y desiguales por el tipo de horneado y esmaltado, dando un efecto a la obra mucho más vivo. El gran mosaico, al que el artista dedicó mucho tiempo, es fiel a su estilo reflexivo, y se caracteriza por los símbolos propios del artista, como estrellas, pájaros, ruedas de carruaje, el sol o la luna.

Las placas de gres esmaltado fueron creadas en el taller de Llorens Artigas en Gallifa a través del proceso de cocción en horno noborigama (tres cámaras ascendentes y una chimenea), de ahí sus irregularidades y su vibración superficial. Para cocer las casi 5.000 piezas fueron necesarias 464 hornadas, un proceso largo que garantizó el impresionante resultado final. El montaje, realizado a un ritmo aproximado de 60 piezas diarias, se prolongó durante seis meses.

Pocas obras están pensadas para un espectador en movimiento. El mural cerámico de Miró en El Prat nació para ser visto al llegar, y hoy, con su protección como Bien de Interés Cultural (mayo 2026), se reivindica como arte público de primer orden.

POR MAR: EL MOSAICO QUE SE PISA

Pero la bienvenida de Miró a Barcelona no terminaba en el aeropuerto. El artista imaginó una especie de trilogía urbana para recibir a quienes llegaban por aire, mar y tierra. Si el mural de El Prat correspondía al aire, el mosaico del Pla de l’Os, en plena Rambla, evocaba la llegada por mar.

Inaugurado en 1976, el mosaico se encuentra en la plaza de la Boqueria, uno de los puntos más transitados de Barcelona. A diferencia del mural del aeropuerto, que se contempla desde lejos, esta obra se pisa. Miles de personas cruzan cada día sobre sus colores sin detenerse, quizá sin saber que caminan sobre un Miró. Esa era parte de su fuerza: convertir el arte en una experiencia cotidiana, integrada en el pulso de la ciudad.

POR TIERRA: LA OBRA QUE NO LLEGÓ A SER

La tercera pieza de aquella trilogía de bienvenida debía estar vinculada a la llegada por tierra. En este punto conviene matizar: muchas referencias asocian esa función a Dona i Ocell, la escultura situada en el parque Joan Miró, cerca de la plaza de Espanya. Sin embargo, el proyecto inicialmente pensado para completar la trilogía era Dona, ocell i una estrella, concebido para el Parque de Cervantes, una obra que Miró no llegó a ver realizada tal y como lo había imaginado.

Así, la bienvenida barcelonesa de Miró conserva algo de relato inacabado. La ciudad recibió su gran puerta aérea en El Prat y su puerta marítima en la Rambla, pero la llegada por tierra quedó marcada por una ausencia. Del mosaico que se mira al aterrizar al pavimento que se pisa sin darse cuenta, el arte público de Miró no se contempla siempre en silencio: se atraviesa, se rodea y se recuerda en movimiento.

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Pero su historia no se ha quedado en la Edad Media. Pese a estar protegida desde 1931, La Lugareja lleva años asociada a un conflicto de acceso y apertura: tras la sentencia del Tribunal Supremo que confirmó la propiedad de la diócesis, varias entidades locales han vuelto a pedir la intervención de la Justicia para que se cumpla lo dictado y el monumento pueda abrirse y conservarse como merece.

ORIGEN DE LA LUGAREJA

También conocida como la iglesia de Santa María de Gómez Román, es uno de los templos de arte mudéjar de ladrillo más destacados de Castilla y León. Aunque su esquema y su concepción corresponden a una arquitectura románica, no existe un 'decorativismo' añadido, sino un edificio cristiano medieval que utiliza el ladrillo como material y recurso expresivo. 

Lo que hoy se puede ver es la cabecera de la iglesia de un antiguo conjunto monástico, el monasterio de Santa María de Gómez Román. La comunidad existía ya antes de 1178 y la primera mención conservada se data en abril de 1179. En ese momento, no era un convento femenino, sino un lugar ocupado por una comunidad masculina, y con el paso del tiempo, cambió de manos.

La construcción de la iglesia se sitúa entre finales del siglo XII y comienzos del XIII, en un momento en el que Arévalo y su entorno levantan algunas de sus mejores obras en ladrillo. Más adelante, en torno a 1240, el monasterio pasó a la orden del Císter, etapa que forma parte de la historia del enclave y ayuda a entender su dimensión monástica.

Con el paso del tiempo se perdió gran parte de la iglesia y de las dependencias del monasterio, pero la cabecera quedó en pie como un manifiesto de arquitectura medieval. Dada su importancia histórica y cultural, fue declarada Monumento Histórico-Artístico en 1931, que con el tiempo se consolidó y restauró con prudencia. 

ARQUITECTURA MUDÉJAR

Lo primero que engancha de La Lugareja es su arquitectura de ladrillo, tan propia del mudéjar castellano: en vez de buscar la solemnidad de la piedra, el edificio hace del ladrillo su lenguaje. Con él levanta volúmenes nítidos y, sobre todo, dibuja una decoración que no es un 'adorno añadido', sino parte de la propia construcción: arquerías ciegas, bandas y frisos que crean un juego de sombras cuando el sol cae sobre la cabecera.

Por eso, incluso antes de entrar, la ermita se entiende como una pieza 'hecha para ser leída' desde fuera, con una fachada trasera (la cabecera) que funciona casi como un retablo de formas geométricas.

Lo que se conserva hoy es la parte más poderosa: una cabecera triple, con tres ábsides precedidos por tramos rectos, más ancho y elevado el central. En el interior, los espacios laterales alternan bóveda de arista y bóveda de cañón apuntado, rematadas por la bóveda de horno en los ábsides.

Pero la gran sorpresa está en el espacio central, que se cubre con una cúpula sobre pechinas y se eleva hacia un tambor decorado con arquerías. Esa misma sensación de altura se puede apreciar desde fuera gracias al cimborrio prismático (o torre central de la iglesia), con sus cuatro frentes marcados por arcos dobles y ciegos, frisos de esquinillas y una cubierta a cuatro aguas.

El resultado de este fascinante enclave es contundente: un edificio de escala contenida, pero con una ambición enorme, capaz de convertir un rincón de la llanura en una lección memorable de la arquitectura medieval. 

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Todo comenzó en París, en casa de Rodin. Durante una conversación entre los dos amigos, Zuloaga mencionó su deseo de ir a España para comprar una obra del artista que tanto admiraba: El Greco. Rodin respondió enseguida: «¡Le acompaño!». Así, el 3 de junio de 1905, Rodin y Zuloaga junto con el coleccionista ruso Ivan Shchukin, subieron al tren Sud Express con destino a Madrid.

Madrid, el primer homenaje a Rodin

La llegada de Rodin a Madrid despertó una gran expectación. El escultor era ya una de las grandes figuras del arte europeo, autor de obras como El pensador, y su presencia en la capital española llamó la atención de artistas, escritores y periodistas.

Durante aquellos días, Zuloaga quiso mostrarle algunos lugares esenciales de Madrid y sus alrededores. El Museo del Prado, El Escorial, Toledo e Illescas formaban parte del recorrido artístico que el pintor había imaginado para su amigo.

El 8 de junio se celebró en el restaurante La Huerta un gran banquete en honor del escultor francés. A la comida asistieron unas 130 personas del mundo de cultural de la época; entre ellas, el director del Prado, José Villegas; artistas como José Moreno Carbonero; el escritor Pío Baroja; el dramaturgo Joaquín Dicenta; Ignacio y su tío, el ceramista Daniel Zuloaga.

Durante el banquete se pronunciaron varios brindis en honor de Rodin. Uno de los más recordados fue el del periodista Mariano de Cavia:

«Permitidme, amigos, que levante mi copa por Rodin, quien encerró el pensamiento en la piedra».

Camino de Toledo: El Greco y un susto inesperado

Uno de los objetivos principales del viaje era Toledo. Zuloaga quería compartir con Rodin su pasión por las obras de El Greco, conservadas en Toledo e Illescas, unas pinturas que habían marcado profundamente su manera de Zuloaga de entender el arte. Para el pintor vasco, El Greco era un maestro moderno antes de la modernidad.

Sin embargo, el camino hacia Toledo dejó una de las anécdotas más llamativas del viaje. Cerca de Esquivias, el automóvil en el que viajaban atropelló accidentalmente a un hombre que iba montado en una mula. El susto fue enorme. Rodin quedó tan impresionado que entregó al herido todo el dinero que llevaba en la cartera: «unas ochocientas o novecientas pesetas», según recogió años después el crítico Juan de la Encina.

Ya en Toledo, Zuloaga intentó transmitir a Rodin su entusiasmo por El Greco. Quería que su amigo comprendiera la fuerza espiritual de sus figuras, la intensidad de sus composiciones y la libertad pictórica del maestro cretense. Pero Rodin no quedó convencido. Según recordaría después Zuloaga, cuando hablaban de El Greco, el escultor respondía con un rotundo: «Pas du tout!», es decir, «¡En absoluto!».

Curiosamente, a Rodin sí le fascinaron otros detalles del viaje: los paisajes castellanos, el vino de la tierra, el pan negro y la comida de las tabernas.

Sevilla y el descubrimiento del flamenco

La noche del 8 de junio, después del banquete madrileño, Zuloaga y Rodin continuaron su viaje hacia Sevilla. Allí se alojaron en el Hotel Inglaterra y recorrieron el barrio de Triana, uno de los lugares más ligados a la tradición flamenca.

Fue en Sevilla donde Rodin vivió una de las experiencias que más le impresionaron del viaje: una fiesta flamenca. El escultor quedó fascinado por el movimiento de las bailaoras, por la libertad de sus gestos y por la fuerza de la danza andaluza. Años después, Jacques Vilain, director del Museo Rodin de París, explicó que el escultor se sintió atraído por «la danza andaluza, la libertad y la gracia con que se movían los bailarines».

No se puede afirmar que Rodin copiara directamente aquellas figuras en sus obras. Pero sí resulta fácil imaginar que los cuerpos en movimiento, la energía y la emoción del flamenco le marcaron. Al fin y al cabo, su escultura buscaba precisamente eso: captar la tensión de un cuerpo, un gesto, una fuerza interior.

Córdoba y la compra de una obra de El Greco

Después de Sevilla, el viaje continuó hacia Córdoba. Allí Zuloaga compró una de las obras más importantes de su colección: La Visión de San Juan, también conocida como Visión del Apocalipsis o Apertura del Quinto Sello, de El Greco.

La pintura tendría después una historia muy importante. Zuloaga la incorporó al fondo de su cuadro Mis amigos, como homenaje al pintor que tanto admiraba, y también la exhibió en su estudio parisino. Allí pudo ser vista por algunos artistas de la época, entre ellos Picasso, para quien Zuloaga fue una figura relevante en sus primeros años en París.

 

 

 

 

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Esta obra se ha relacionado con el universo visual que pudo influir en Picasso durante la creación de su obra revolucionaria Las señoritas de Avignon, una pintura que marcó un antes y un después en la historia del arte moderno. Así, una compra realizada durante aquel viaje acabó conectando a El Greco, Zuloaga, Rodin y Picasso en una misma historia artística.

Una amistad entre admiración y desacuerdo

Este viaje estuvo marcado por un debate constante: El Greco. Zuloaga intentaba convencer a su amigo de la grandeza del maestro cretense, mientras Rodin se resistía, discutía, observaba y se dejaba sorprender por otros aspectos de España: sus paisajes, sus tabernas, su comida, su vino y el movimiento de las bailaoras.

Con el tiempo, según contó el propio Zuloaga, Rodin empezó a mirar de otra manera la obra de El Greco. Ya en París, el escultor visitaba a menudo el estudio del pintor vasco y se quedaba largo rato contemplando la famosa obra Visión del Apocalipsis. Hasta que un día le comentó: «Me empieza a gustar».

Quizá ese fue el verdadero final del viaje. No terminó en Madrid, Toledo, Sevilla o Córdoba, sino en un estudio de París, cuando Rodin empezó por fin a comprender aquello que Zuloaga había querido mostrarle desde el principio.

Aquel viaje relámpago por España fue un recorrido por la España que fascinaba a Zuloaga: Castilla, Andalucía, las ciudades llenas de historia, las tabernas, el flamenco y los grandes maestros. Una España que, vista por los ojos de dos grandes artistas, se convirtió en una pequeña aventura inolvidable.

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Fuentes:

ZULOAGA, Ignacio. Carta a Aguste Rodin, 31 de mayo de 1905. París, Musée Rodin, Centre de recherche, Correspondance Rodin.

ZULOAGA, Ignacio. Carta a Auguste Rodin, 12 de agosto de 1905. París: Musée Rodin, Centre de recherche, Correspondance Rodin.

ARRIZABALAGA, Mónica. La desconocida foto del viaje relámpago de Rodin a España. ABC Archivo, 4 de junio de 2020.

MUSÉE RODIN. Exposition Picasso-Rodin. Dossier pédagogique. París: Musée Rodin, 2021.

MUSÉE RODIN. Exposition Picasso-Rodin. Dossier de presse. París: Musée Rodin, 2021.

LA ÉPOCA DE GOYA Y EL ESPLENDOR

La Real Fábrica tomó el nombre de su primera ubicación, la Puerta de Santa Bárbara, en la actual plaza de Alonso Martínez. La inicial influencia de Flandes pronto miró hacia modelos italianos, que incluyeron temas mitológicos, costumbristas y hasta una serie dedicada a Don Quijote.

Con Carlos III, el rey ilustrado por excelencia, la Real Fábrica alcanzó uno de sus periodos de mayor esplendor. Es la época en que llegan talentos como el de un joven Francisco de Goya, que creó varios de los cartones que después se convertirían en magníficas tapicerías, expuestas en las más distinguidas estancias de la época.

UNA NUEVA VIDA EN LA CALLE FUENTERRABÍA

El crecimiento de Madrid a finales del siglo XIX hizo que la Real Fábrica de Tapices se trasladara a un nuevo emplazamiento en Retiro. José Segundo de Lema, Arquitecto Mayor de Palacio, hizo un fantástico edificio neomudéjar, que llegaría a declararse Bien de Interés Cultural por la Comunidad de Madrid.

Sin embargo, no todo ha sido fácil en la historia de la Real Fábrica. La dura competencia hizo que llegara a perder su título, aunque lo recuperase en 1982. En época más reciente sobrevoló incluso el fantasma de la quiebra, que se evitó con un cambio en la gestión y la llegada de grandes encargos exclusivos.

UNA VISITA A LA MECA DEL PATRIMONIO ARTESANAL INMATERIAL

Hoy, la Real Fábrica de Tapices sigue siendo uno de los lugares más singulares de la capital para contemplar oficios históricos aún vivos. Telares, restauración, tintes naturales y saber hacer artesanal conviven en un espacio que es un tesoro del turismo cultural en Madrid.

Visitar la Real Fábrica de Tapices permite conocer espacios tan especiales como el jardín histórico, donde se muestran las plantas que permitían elaborar tintes. Además, ver de cerca la restauración de los tapices que adornan palacios y residencias reales es una experiencia que ayuda a comprender mejor toda nuestra cultura.

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Miniaturas en El Castell de Guadalest

El Museo de Microminiaturas y el Museo Microgigante son dos universos diminutos. En sus salas, lo imposible deja de serlo y lo invisible se revela como por arte de magia, gracias a lentes de aumento y juegos de luces. Es un desafío a la lógica en el que cada vitrina exhibe obras minúsculas, pero absolutamente fascinantes.

Reproducciones que rozan lo increíble

Admirar en el Museo del Prado pinturas como La Maja Desnuda de Goya o Las Meninas de Velázquez es una experiencia emocionante. Contemplar esas mismas obras reproducidas en el ala de una mosca o sobre un grano de maíz roza lo inimaginable, pero no lo es. Es fantasía hecha realidad, solo dos de las microscópicas joyas del Museo de Microminiaturas.

Ese catálogo de obras imperceptibles a simple vista incluye creaciones tan prodigiosas como un elefante esculpido en el ojo de un mosquito, una carrera de galgos grabada sobre un cabello o la Estatua de la Libertad recluida en el ojo de una aguja. Cada pieza es una pequeña proeza hecha a mano que exige una cuidada conservación, rompe esquemas y desafía a la mente más escéptica. 

Museo Microgigante: arte en dos escalas

Muy cerca, el Museo Microgigante despliega un mundo mágico también sorprendente, aunque desde otra perspectiva. En él, las esculturas de gran formato comparten espacio con miniaturas, dando forma a un sugerente contraste. Sin embargo, las obras más especiales se descubren también detrás de una lupa: una Biblia hecha en la sección de un cabello, una hormiga tocando el violín o una plaza de toros en la cabeza de un alfiler.

 

 

 

 

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Detrás de este despliegue de originalidad, ingenio y precisión está Manuel Ussà, uno de los grandes miniaturistas del mundo. Con pinceles casi invisibles y conteniendo la respiración creó un microuniverso particular con un nivel de detalle casi sobrehumano. Su autorretrato, plasmado con pericia en un grano de arena, también tiene su lugar en el museo.

Más sorpresas en El Castell de Guadalest

Al salir, el mundo recupera su tamaño, pero todo parece haber cambiado. La mirada es más atenta, más curiosa, más sensible a los detalles. Es entonces cuando merece la pena tomar un respiro y detenerse para contemplar los magníficos paisajes que rodean El Castell de Guadalest o perderse por su encantador casco antiguo.

Y, si aún quedan ganas de seguir explorando, este pueblo de Alicante cuenta con varios museos más, algunos tan insólitos como el Museo de Saleros o Pimenteros o el Museo del Belén y Casitas de Muñecas. Aquí, lo más pequeño es también lo más asombroso.

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DEL NORTE AL SUR A TRAVÉS DE SUS CUADROS

PINCELADAS DEL NORTE ESPAÑOL

El arte español no se puede entender sin Maruja Mallo, la pintora más importante del siglo XX, gallega ilustre y figura esencial del surrealismo y de la generación del 27, en cuya obra se funde lo político, lo social y lo femenino para retratar el mundo, como en Sorpresa del trigo. Su universo visual, audaz y lleno de simbolismo, rompe moldes y convierte cada lienzo en una declaración de modernidad. 

Para visitar Asturias, nada mejor que bucear en la obra de artistas locales como Evaristo Valle, que muestra el folklore asturiano en su Carnavalada de Oviedo. Su pintura, cargada de ironía, costumbrismo y personalidad, capta con singular fuerza el ambiente popular y el alma festiva de la región. 

Continúa este viaje en Cantabria con María Blanchard, gran maestra del cubismo, que no alcanza notoriedad hasta después de su muerte con obras sobrecogedoras como La comulgante. Su pintura, íntima y poderosa, la sitúa hoy como una de las grandes figuras de la vanguardia europea. 

El País Vasco se revela a través del pincel de Ignacio Zuloaga, uno de los nombres imprescindibles de la pintura española a finales del siglo XIX y comienzos del XX. Su obra, intensa y de gran fuerza expresiva, retrata personajes, paisajes y escenas populares con un dramatismo sobrio que conecta con el carácter, la tradición y la hondura cultural de la tierra vasca. 

Navarra presume de naturaleza gracias al grupo de artistas del Baztán, entre los que destacan las obras cargadas de poesía de Ana María Marín, como en Paisaje del Baztán. En sus cuadros, la naturaleza navarra aparece envuelta en una atmósfera serena y lírica, casi suspendida en el tiempo. 

El recorrido por el norte culmina en La Rioja con la pintura costumbrista de Enrique Paternina y su obra cumbre, La visita de la madre al hospital. Su mirada detallista y profundamente humana convierte escenas aparentemente sencillas en poderosos retratos de emoción y verdad. 

LOS GRANDES PINTORES DEL MEDITERRÁNEO

El Mediterráneo bulle de talento y así se demuestra en las comunidades del este. Cataluña la pinta el rey del surrealismo, Salvador Dalí, en su obra Muchacha en la ventana, donde una mujer observa el mar desde una ventana de Cadaqués. En esta escena aparentemente sencilla ya asoman el misterio, la quietud y la potencia visual que marcarían toda su trayectoria. 

En Aragón nace el maestro de maestros, Francisco de Goya, que decora las bóvedas de la Basílica del Pilar de Zaragoza con su majestuosa obra La adoración del nombre de Dios. Su genio, capaz de transitar entre la pintura religiosa, el retrato cortesano y la crítica más descarnada, lo convierte en una figura capital del arte occidental. 

Quienes más y mejor pintan el Mediterráneo son, sin duda, Joaquín Sorolla y Pilar Montaner Maturana. El valenciano plasma en sus obras la luz y la belleza de las playas de Valencia, como en Paseo a orillas del mar. Pero Sorolla es mucho más que un pintor de escenas marinas: es el gran maestro de la luz, el artista que consiguió atrapar en el lienzo el brillo del sol sobre el agua, el movimiento de la brisa y la vida al aire libre con una naturalidad deslumbrante.

La célebre pintora balear funde el mar con los tejados de Mallorca en obras como La Seu de Palma. Su mirada delicada y elegante supo captar la atmósfera insular con una sensibilidad muy personal, donde paisaje y emoción aparecen profundamente unidos. El recorrido pictórico por el este llega a Murcia, donde el pintor José María Almela Costa retrata la huerta murciana en Acequia en otoño. En su obra, la tierra cultivada, el agua y los tonos cambiantes de la estación construyen una imagen serena y reconocible del paisaje murciano.

LOS ARTISTAS QUE PINTAN LA MESETA

En Madrid, las obras de Isabel Quintanilla permiten asomarse a la intimidad de las casas y los objetos cotidianos, como en Vaso sobre la nevera. Su pintura convierte lo aparentemente simple en una escena de silencio, precisión y belleza contenida. 

Los caminos y costumbres de Castilla y León los retrata la pintora naturalista vallisoletana Marcelina Poncela Ontoria, con obras como La capilla de la aldea. Sus lienzos ofrecen una mirada sensible al mundo rural y a los paisajes castellanos, llenos de sobriedad y profundidad.

El viaje continúa en Castilla-La Mancha con Benjamín Palencia, pintor vanguardista que revoluciona el paisajismo con obras como Toledo. Su manera de interpretar la llanura, la luz seca y los horizontes abiertos da lugar a una Castilla-La Mancha moderna, poética y profundamente personal. 

Antes de alcanzar el sur, es esencial detenerse en el más célebre pintor extremeño, Francisco de Zurbarán, figura imprescindible de la pintura barroca cuya extensa obra está repartida por el mundo, aunque también se puede disfrutar en su tierra natal, en los lienzos del Monasterio de Santa María de Guadalupe en Cáceres. Su estilo austero, espiritual y rotundo encaja a la perfección con la fuerza histórica y monumental de Extremadura. 

PINCELES CON ACENTO DEL SUR

Andalucía ha dado grandes nombres a la pintura universal, como Diego de Velázquez o Carmen Laffon. Pero nadie retrata el carácter y la mirada andaluza como Julio Romero de Torres en La chiquita piconera. Su universo estético, entre el simbolismo, la tradición y el misterio, supo convertir la figura femenina andaluza en un icono artístico de enorme fuerza.

Este maravilloso viaje concluye en Canarias con César Manrique, artista total y nombre inseparable de Lanzarote. Su obra, a medio camino entre pintura, la escultura, la arquitectura y el paisaje, convirtió la naturaleza volcánica de las islas en una forma de arte. En su universo creativo, el negro de la lava, el blanco de las casas y el azul del Atlántico dialogan para componer una de las identidades visuales más singulares de España. 

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EL ARTE QUE SALE EN BUSCA DEL ESPECTADOR

Caminar por la ciudad es, sin darse cuenta, recorrer una galería al aire libre donde el arte aparece en los lugares más inesperados. Esta cercanía lo hace accesible a todo el mundo y convierte cada paseo en una experiencia distinta. Además, se ha integrado en la forma de viajar: cada vez más personas lo buscan para conocer una cara más auténtica y actual del destino elegido.

VITORIA-GASTEIZ, EXPRESIÓN DE UNOS VALORES

Cuando artistas, vecinos e instituciones colaboran con un plan en mente, surgen propuestas tan interesantes como la de Vitoria-Gasteiz: una sucesión de murales repartidos por la ciudad, que forman un itinerario conocido como La Ciudad Pintada. Las rutas guiadas que organizan son una excelente manera de acercarse a este tipo de arte público que llena de color numerosas fachadas y muros.

ECOS IMPERIALES EN LUGO

En Lugo tiene lugar el diálogo más extraordinario: la formidable muralla romana, con todos sus siglos de historia, convive con una sucesión de murales que superan los 500, en un proyecto de arte urbano sin parangón. El corazón de la ciudad luce estampas romanas en muchas medianeras, como el mural de Julio César, del artista local Diego As, elegido como el mejor mural del mundo en 2021.

BARCELONA, UNA PIONERA EN PLENA FORMA

La capital catalana fue de las primeras ciudades en acoger esta expresión contemporánea, y hoy luce una nutrida cantidad de intervenciones que ya son casi una tradición. Barrios como Gràcia, el Poblenou y Ciutat Vella son prácticamente museos al aire libre. En esta última zona, además, se encuentra uno de los murales más famosos: El mundo nace en cada beso, una auténtica atracción para cientos de turistas.

MADRID, CAPITAL TAMBIÉN DEL GRAFFITI

Madrid tiene incontables opciones para disfrutar de arte callejero, y permite varias rutas centradas en este tipo de representación plástica. Malasaña cuenta, por ejemplo, con murales llenos de mensaje, obra de Ze Carrion, o las sorprendentes composiciones de E1000. También Lavapiés, con su ambiente bohemio, tiene mucho que ofrecer, con iniciativas como la de la antigua Tabacalera, epicentro de la vida artística del barrio.

UN BARRIO DEDICADO AL STREET ART EN MÁLAGA

Málaga cierra esta lista con un barrio inseparable del arte urbano más actual. La zona conocida como Soho mezcla graffiti con galerías, tiendas y todo un ambiente de creatividad. Una ruta, la del proyecto Málaga Arte Urbano Soho (MAUS), permite aprender más sobre las obras mediante códigos QR. En el barrio popular de Lagunillas, por su parte, encontramos innumerables paredes en las que los propios vecinos han promovido espectaculares intervenciones.

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Esta exposición ofrece, por primera vez, una historia social e iconográfica de mujeres europeas desde la Edad Media hasta la actualidad. Está formada por una selección de más de 110 obras de arte que han sido coleccionadas por la familia de los artistas Zuloaga desde el primer tercio del siglo XIX, destacando la importante cantidad de obras firmadas por el pintor Ignacio Zuloaga; su padre, el damasquinador Plácido; y su tío, el ceramista Daniel.

Qué esperar de La mujer en la colección Zuloaga. Siete siglos de arte

La investigación y divulgación de la historia social de las mujeres no ha estado a la altura de la popularidad de la reivindicación femenina. La literatura académica ha experimentado lagunas de siglos, incluso en la desarrollada historiografía europea. Con esta exposición se ofrece una sorprendente historia de avances y retrocesos que contribuye a entender el actual estado de las mujeres de hoy.

Este retrato de las mujeres del pasado y el presente se ha realizado a través de los medios de difusión de cada época, desde esculturas religiosas, miniaturas de libros, tablas y lienzos pintados… hasta las actuales publicaciones de redes sociales. En la colección Zuloaga figuran todo tipo de manifestaciones plásticas: tallas y tablas románicas, góticas y renacentistas, cuadros de Zurbarán y de su entorno, del Greco, Morales… cerámicas y paneles cerámicos, textiles, hierros forjados, aceros damasquinados, pinturas académicas, impresionistas, posimpresionistas, simbolistas, contemporáneas…

Con la finalidad de hacer una representación de la diversidad social de la mujer, se contraponen varias temáticas, como el ciclo de vida femenino desde el nacimiento hasta la muerte, las vírgenes y las santas, las mujeres rurales y urbanas, las marginales y las privilegiadas, en la esfera pública y privada... Especial relevancia tiene el género del desnudo femenino, tan tardía y escasamente representado en el arte español.

Otra novedad es la presentación de la colección Zuloaga, con un énfasis en las mujeres que la conservaron, ampliaron y divulgaron, pues si bien hay numerosos escritos acerca de los artistas, no se ha prestado tanta atención a las mujeres de la familia, sin cuyas contribuciones esta colección sería imposible. Por ello se incluyen también algunas colecciones femeninas que permiten entender sus gustos.

La exposición es totalmente bilingüe en español e inglés, tanto en los vídeos como en el repertorio de catálogos y cartelas.

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Las claves del damasquinado

En sentido amplio, la inserción de oro, plata y otros metales nobles en piezas de hierro, bronce o latón se viene haciendo en Asia y Europa desde tiempos inmemoriales. No hay evidencias historiográficas (documentos) ni arqueológicas (vestigios de otra naturaleza encontradas en yacimientos) que nos permitan establecer un origen concreto a esta costumbre.

Desde hace milenios vienen produciéndose armas, corazas, cascos y otros objetos con inserciones de dichos metales nobles. Debido al trabajo necesario y el coste de sus materias primas, la mayoría de las piezas conservadas consisten en objetos ceremoniales o piezas realizadas para guerreros que deseaban destacar sobre los demás por la belleza y originalidad de su aspecto. Estos objetos se han encontrado por toda Europa y Asia.

De la observación de las piezas de hierro con inserciones en oro puede deducirse que hubo un proceso parecido de creación. En primer lugar, se dibujaba el motivo decorativo sobre el hierro. A continuación, se utilizaba una punceta o instrumento similar para extraer el metal de la superficie marcada previamente. Una vez creado un hueco, este era rellenado con hilo y/o láminas de oro, plata u otros metales cuyo brillo y colorido crearan un contraste con el color oscuro del hierro, latón o bronce. Para adherir el nuevo metal al hierro se embuchaba lo insertado con un solape de hierro por encima de los extremos del metal precioso. Un sistema bastante frágil al roce con la mano, o a una caída; lo que explica que se hayan conservado bien tan pocas piezas.

Artesanía que cruza siglos y fronteras

¿De dónde viene el mito de que el damasquinado proviene de Damasco (en la actual Siria)? No hay una explicación única, solo hipótesis más o menos plausibles. Damasco es una de las ciudades más famosas de la Antigüedad; hay textos egipcios datados en el siglo XV antes de Cristo que se refieren a una ciudad que en nuestro alfabeto podría escribirse «Ta-ms-qu». Dicha urbe adquirió gran notoriedad cinco siglos después como capital del reino arameo de Aram-Damasco. Posteriormente iría pasando a manos de los siguientes imperios que dominaron Oriente Medio: asirios, babilonios, persas, Alejandro Magno y sus sucesores, romanos, bizantinos, árabes y, finalmente, turcos. Por eso era tan famosa.

Es muy difícil concretar la antigüedad y origen de piezas que no están acompañadas de marcas y/o documentación fidedigna. Una de las más antiguas que se conservan, y que se ha estimado que “probablemente” pudiera proceder de la zona de Siria, es una jofaina o cuenco de latón, con inserciones de plata, que se conserva en la Freer Gallery of Art del Smithsonian Institution de Washington (Estados Unidos); se ha estimado que pudo realizarse entre los años 1247 y 1249 después de Cristo. Pero las hay mucho más antiguas procedentes de otras latitudes.

Se conservan recipientes Jin Yin Cuo realizados en bronce, decorados con hilos, láminas o pequeños espacios de oro y de plata. Estas piezas se han datado entre los siglos sexto y séptimo antes de Cristo. Y de Grecia (Micenas) procede una daga ceremonial datada entre los siglos diecisiete y dieciséis antes de Cristo. De La Joya (Huelva, España) se encontró un incensario de bronce con incrustaciones de plata, posiblemente de origen fenicio o tartésico, datado en el siglo VII antes de Cristo.

Los elusivos nombres del damasquinado

Este sistema rudimentario de inserción de metales, con mayor o menor sofisticación o belleza decorativa y precisión en los embuchados, es conocido en español con el término «ataujía». Esta viene del árabe (posiblemente procedente de tawshiya y luego atawsía) y quiere decir «adorno o embellecimiento». 

Resulta curioso que los caballeros cruzados que combatieron con los árabes sirios durante los siglos XI al XIII, y que se llevaron como botín numerosas armas, escudos, cascos de hierro decorados con inserciones de oro y plata, no emplearan nunca la palabra «damasquinado» en los documentos que han subsistido. En los inventarios nobiliarios que se vienen realizando desde el siglo XIII con algunas de dichas armas no se emplea esa palabra. También llama la atención que no utilizaran dicho término los cristianos españoles que guerrearon con los árabes desde el siglo VIII al siglo XV, llevándose como botín numerosas piezas de lujo, algunas de las cuales pueden contemplarse en la Real Armería de Madrid.

En Europa la palabra «damasquinado» no aparece hasta finales del siglo XV o comienzos del XVI. Fue en Italia, donde se escribe damaschinare y damaschinato para referirse a armas y armaduras de lujo creadas en los talleres de Brescia y Milán. La invención de esa palabra pudiera explicarse por la relación de Venecia con el Imperio otomano, y la profusión de armaduras y armas decoradas con oro de los combatientes turcos con los que luchaban los italianos desde hacía siglos. En francés la palabra no aparece hasta el siglo XVI, posiblemente procedente del Milanesado (que fue territorio propiedad del rey de Francia). En español esta palabra no aparece hasta 1849, cuando la emplea Eusebio Zuloaga González en el catálogo de la Real Armería del Palacio Real de Madrid. 

Escrito por Ignacio Suárez-Zuloaga, presidente de la Fundación Zuloaga.

Las obras de Antoni Gaudí reconocidas como Patrimonio de la Humanidad

Park Güell

El Park Güell es, probablemente, una de las obras de Gaudí más sonadas a nivel internacional. Son muchas las personas que acuden cada año a explorar la Escalinata del Dragón, la Sala Hipóstila y la Plaza de la Naturaleza, lugares que han pasado a ser algunas de las postales más emblemáticas de la ciudad de Barcelona. Sea o no la primera vez que se visita este parque repleto de rincones sorprendentes, siempre es un placer pasear por sus jardines, sus pasadizos con aspecto de grutas y sus curiosos edificios.

Palau Güell

Al igual que el Park Güell, el Palau fue encargado a Gaudí por el político y mecenas Eusebi Güell. Fue construido entre 1886 y 1890, y se encuentra en la calle Nou de la Rambla de Barcelona. En este edificio se puede observar el reconocido estilo arquitectónico de Gaudí aplicado al ámbito doméstico. Destacan los juegos de luces y las formas curiosas que decoran sus tejados, ventanas y puertas.

Casa Batlló

Esta ejemplar construcción ubicada en el Paseo de Gracia no necesita ninguna presentación. La Casa Batlló permite internarse en los fantasiosos mundos de Gaudí en todo su esplendor, como bien se puede comprobar en espacios como la Planta Noble, el patio de luces, el futurista desván y la azotea adornada con ondulantes chimeneas policromadas. Por supuesto, merece mención especial la fachada de la Casa Batlló, una labor artística de formas serpenteantes y escamas que relucen con tonalidades turquesa.

Casa Milà

También en el Paseo de Gracia, a unos cinco minutos a pie, descansa la elegante Casa Milà, también conocida como La Pedrera. Llama la atención su fachada blanca y sinuosa, complementada con una forja compleja y 32 balcones. El interior de la Casa Milà tampoco decepciona, puesto que los patios, las pinturas murales y la distribución creativa de los espacios generan una atmósfera original y sorprendente. Asimismo, la azotea presenta una serie de chimeneas vistosas que parecen contar con vida propia.

Casa Vicens

La construcción de la Casa Vicens fue el primer encargo importante que recibió Antoni Gaudí. Se encuentra también en Barcelona, en el distrito de Gracia, y cuenta con tres espacios principales: la construcción original, la ampliación de 1925 y la zona de jardín. En sus coloridas formas se aprecia un estilo orientalista que combina a la perfección con el sello personal del arquitecto modernista.

La cripta de la Colonia Güell

La cripta de la Colonia Güell es el único componente de la lista que no se encuentra en la ciudad de Barcelona. Para visitarla hay que desplazarse a Santa Coloma de Cervelló, a pocos kilómetros de la capital de Cataluña. A pesar de ser menos conocida que otras de sus obras, la cripta de Gaudí ofrece una fantástica muestra de la maestría del venerado arquitecto catalán.

La Fachada del Nacimiento y la cripta de la Sagrada Familia

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es una de las creaciones más reconocidas de Gaudí. En esta obra extremadamente compleja, la arquitectura, la espiritualidad y el culto al mundo natural se funden en un universo de altas columnas, espectáculos de luces y detalles hilados al milímetro que no dejan a nadie indiferente.

De sus tres fachadas sobrecogedoras, la del Nacimiento es la más antigua y la que figura en la lista de la Unesco. Presenta un intrincado entramado escultórico que se divide en tres portales: el de la Esperanza, el de la Fe y el de la Caridad. Como curiosidad, esta fachada constituye la única parte de la Sagrada Familia que Gaudí vio materializarse antes de morir.

La otra construcción de la Sagrada Familia que fue reconocida por la Unesco en 2005 es la cripta, ubicada bajo el ábside. El suelo está decorado con un bello mosaico de estilo romano, y el lugar se asemeja a un bosque místico de columnas, vidrieras y arcos. Es aquí donde descansa el cuerpo de Gaudí, que vela por su valioso tesoro inacabado.

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La catedral de Teruel, la 'Capilla Sixtina del mudéjar'

La historia de la catedral de Teruel

Los orígenes de la catedral de Teruel se remontan a la Iglesia de santa María de Mediavilla, una iglesia mudéjar del siglo XIII. Hasta el siglo XIV se llevaron a cabo una serie de reformas, en las que se elevaron las naves.

A mediados del siglo XIV, la iglesia sufrió otra reforma como motivo de su nombramiento como colegiata. Se amplió la cabecera, construyendo un crucero, y también se sustituyeron los ábsides. Se renovó la decoración con lenguaje mudéjar.

Botero diseñó el nuevo cimborrio mudéjar en el siglo XVI, que sustituía al anterior. Ya en el siglo XVII se realizó la girola de la cabecera y desaparecieron los ábsides de los laterales. La techumbre original se sustituyó por bóvedas. Durante el siglo XVIII se construyeron las capillas laterales. Además, se incorporaron nuevas bóvedas de crucería simple y estrellada.

A principios del siglo XX, se realizó una portada neomudéjar, realizada por Pablo Monguió Segura. Durante la guerra civil, la catedral sufrió muchos daños. Los siglos XX y XXI estuvieron marcados por sucesivas restauraciones.

Qué ver en la catedral de Teruel

La estructura comienza a construirse en el 1257, pero la linterna de su parte superior data del siglo XVII.

La sede turolense cuenta con dos accesos: norte y sur. Al norte se sitúa la Puerta del Obispo, en estilo barroco clasicista, y realizada a finales del siglo XVII. La portada sur constituye el acceso principal a la catedral. Data del siglo XIX, y está realizada en estilo neomudéjar. El encargado de su ejecución fue Pablo Monguió.

Uno de los elementos más interesantes de la catedral de Teruel es la techumbre de artesonado de la nave central. Consiste en una armadura de par y nudillo, fechada en torno a la segunda mitad del siglo XIII. Presenta pinturas en gótico lineal con lenguaje mudéjar.

Además, destacan otros bienes como el retablo mayor, obra del escultor renacentista Gabriel Yoly, con advocación a la Asunción de la Virgen.

También sobresalen otros retablos barrocos de las capillas laterales, con la Virgen como protagonista. Destaca una tabla del siglo XVI en la que se representa a la Virgen y al niño.

Datos prácticos para visitar la catedral de Teruel y preguntas frecuentes

¿Cuál es la dirección de la catedral de Teruel?

Plaza de la Catedral, 3, 44001 Teruel

¿Cómo puedo contactar con catedral de Teruel?

Puedes ponerte en contacto con el personal de la catedral de Teruel a través de su email (info@catedraldeteruel.es), de su web o de su número de teléfono.

¿Cuál es el teléfono de la catedral de Teruel?

978 618 016 es su número de contacto.

¿Cuál es el horario de visita de la catedral de Teruel?

La catedral de Teruel abre de 11:00 a 14:00 en días laborables. En verano, también abre por las tardes de 16:00 a 20:00, y en invierno, de 16:00 a 19:00.

¿Cuál es el horario de culto de la catedral de Teruel?

El horario de culto de la catedral de Teruel es el siguiente:

• Días laborables: 9:00 a 11:00.
• Domingos y festivos: 9:00 a 14:00.

La catedral no puede visitarse durante el horario de culto.

¿Es necesario reservar la visita a la catedral de Teruel?

No es necesario reservar con antelación, pero es recomendable si se quiere ahorrar tiempo.

¿Cuánto cuesta la entrada a la catedral de Teruel?

El precio de la entrada general a la catedral de Teruel es de 3 €. La entrada reducida para jubilados y grupos cuesta 2 € y es gratuita para los niños.

La entrada incluye la visita al Museo de Arte Sacro de Teruel.

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Museos al aire libre en España para disfrutar del arte en el exterior

Museo de Arte Público de Madrid

Situado en el madrileño Paseo de la Castellana, muy cerca de la glorieta de Castelar, nos encontramos con este clásico del arte público. Fue un proyecto impulsado por el artista alicantino Eusebio Sempere, quien ideó este museo en los años 70, encargándose además de reunir las obras necesarias. Las esculturas proceden de artistas como Joan Miró, Josep María Subirachs, Alberto Sánchez, Martín Chirino o Julio González, hasta un total de 17 obras de artistas pertenecientes a la generación de los 50 o de las vanguardias históricas, muchos de los cuales eran amigos del propio Sempere. Tras algunas dificultades propiciadas por el alcalde franquista Arias Navarro, finalmente el museo pudo ser inaugurado en 1979.

Museo de Escultura al Aire Libre de Cáceres

Otro de estos museos al aire libre se encuentra en la ciudad de Cáceres, concretamente dentro del Parque del Príncipe, una de las principales zonas verdes de la localidad extremeña. Al igual que el Museo de Arte Público de Madrid, el museo es el resultado de la iniciativa promovida por un artista, el escultor Pepe Noja, quien ha impulsado proyectos similares en ciudades como Alcalá de Henares o Huelva, logrando su inauguración en 1997. En él pueden verse cerca de una treintena de esculturas pertenecientes a artistas contemporáneos, tanto figurativos como abstractos, tales como Teresa Eguíbar o Luis Caruncho.

Museo de Escultura al Aire Libre de Alcalá de Henares

Integrado en el interior de la trama urbana de Alcalá de Henares desde que fuese inaugurado en 1993, tiene el honor de ser el más largo de los museos al aire libre de Europa. Sus cerca de 60 obras se disponen a lo largo de la Vía Complutense, así como bordeando el trazado de las antiguas murallas que protegían la ciudad. Se trata de un moderno museo de escultura, con obras modernas y contemporáneas de autores fundamentalmente españoles, como Amadeo Gabino, Pablo Serrano o Xavier Santxotena, pero también americanos y europeos.

Illa das Esculturas de Pontevedra

Este museo es una de las grandes sorpresas que esconde la ciudad de Pontevedra. Ubicado en una isla fluvial que sirve de incomparable marco natural, el museo es el resultado de un proyecto en el que se pidió a una docena de artistas internacionales que realizasen obras destinadas específicamente para este emplazamiento. Además, las esculturas debían usar la piedra granítica característica de Galicia como nexo común. Así, artistas como Robert Morris o Dan Graham trabajaron el mismo granito con el que están construidas las iglesias románicas que pueblan la región para crear uno de los lugares artísticos más interesantes de Galicia.

Museo de Escultura de Leganés

Esta ciudad de la zona metropolitana de Madrid posee uno de los museos de escultura más importantes de nuestro país. Fue iniciado a finales de los años 80 en una amplísima zona ajardinada que comprende unos 27.000 metros cuadrados. Su amplia colección, fruto de acuerdos con instituciones artísticas, donaciones y depósitos, realiza un repaso bastante completo de la escultura española desde los últimos años del siglo XIX hasta la actualidad a través de la obra escultórica de autores que van desde Victorio Macho hasta Agustín Ibarrola, pasando por José Clará o Jorge Oteiza. Además, este cuidado museo se encuentra tan cerca de la capital que es posible ir a visitarlo en transporte público.

Museo de Arte Contemporáneo al Aire Libre

En la localidad onubense de Aracena nos espera este museo, otro de los impulsados por el escultor Pepe Noja, natural del lugar. Posee medio centenar de esculturas de lo más variado tanto en técnicas como en materiales y estilos, pues uno de los criterios perseguidos durante su creación fue la heterogeneidad. Actualmente se extiende a lo largo de la entrada a la caverna conocida como Gruta de las Maravillas y sus alrededores, siendo una apuesta de la localidad por el arte urbano que se ha convertido en el espacio artístico de estas características más importante de toda Andalucía.

La arquitectura mudéjar de Aragón, espléndido Patrimonio de la Humanidad

Un prodigio hecho de ladrillo y luz

En la serenidad de iglesias y torres, el ladrillo adquiere la calidez del sol de Aragón, y las cerámicas vidriadas lanzan destellos que desafían el tiempo. La arquitectura mudéjar, única en el mundo, es el testimonio de la riqueza cultural surgida de la convivencia entre musulmanes, cristianos y judíos en el Aragón medieval.

Desarrollado entre los siglos XII y XVII, es un estilo que combina elementos islámicos como el uso del ladrillo, la cerámica vidriada o los motivos geométricos con formas y estructuras del arte cristiano occidental. Su originalidad y riqueza llevaron a la Unesco a declararlo Patrimonio de la Humanidad.

Hoy, estas construcciones siguen trayendo el murmullo de plegarias lejanas, un mundo que se revela bajo arcos y ventanales en un diálogo de texturas. Este lenguaje ornamental se palpa en la suavidad del yeso, en los dibujos entrelazados que crean sombras danzantes al caer la tarde. Su huella ha definido gran parte del patrimonio cultural de Aragón.

Patrimonio de la Humanidad en clave mudéjar

Si hay una ciudad asociada al arte mudéjar es Teruel. Allí es posible contemplar obras maestras como la Torre del Salvador, que reluce con sus azulejos vidriados y las proporciones perfectas de su forma. La propia catedral de Teruel es otro gran ejemplo, y basta mirar su artesonado para captar el refinamiento que alcanzó este estilo.

En la capital aragonesa también hay magnas muestras del mudéjar. En Zaragoza se alzan con gracia la torre e iglesia de San Pablo, en la que el ladrillo rojizo parece hermanarse con el cielo del atardecer, o la Seo del Salvador, llena de yeserías y vidrieras que con su juego de luces evocan antiguos rituales. Arcos policromados y ojivas góticas ensalzan este cruce de caminos culturales.

Otras muestras excelsas del mudéjar se reparten por el resto del territorio, como es el caso de la Real Colegiata de Santa María La Mayor, en Calatayud, cuya torre enhiesta luce además un chapitel del siglo XVIII. También en la provincia de Huesca, con hermosas torres en localidades como Alcubierre, Nueno o Torralba de Aragón. Allí donde hubo mudéjares y moriscos afloró este arte que sigue maravillando al mundo.

Así que sí, en el Paseo de Gracia son muchos los edificios que llaman la atención del transeúnte. Pero quizás haya uno que aún sobresale por encima de los demás. El número 43 anuncia el preludio de un sueño de mar. El sol arranca reflejos de colores de las formas marinas de la fachada, los balcones tienen apariencia de máscara y las escamas de un dragón coronan la cima del edificio. Es la Casa Batlló, cuyo interior es, si cabe, aún más impresionante que su exterior.

Algunos han querido ver en esta fachada la representación de la leyenda de Sant Jordi, según la cual este santo rescató a una princesa tras matar a un dragón. El dragón aparecería representado en el tejado, atravesado por una espada que estaría reflejada en la torre que hay junto a este y, por último, la princesa, encarnada en el balcón más alto. Pero esta es solo una teoría, ya que Gaudí nunca dijo que fuera así…

Breve historia de la Casa Batlló

Lo que sí sabemos seguro es que la Casa Batlló fue construida originariamente en 1877 de la mano del arquitecto Emilio Sala Cortés, profesor de Antonio Gaudí, en el marco del citado Plan Cerdà. Sin embargo, la vida del edificio que hoy conocemos empezó más tarde, en 1903, cuando fue adquirido por la familia del industrial textil Josep Batlló i Casanovas. Este empresario contrató a Gaudí y le dio permiso para derribar el edificio. Pero el artista consiguió hacer una reforma integral del inmueble sin la necesidad de derruirlo, dándole el aspecto que hoy conocemos.

Con el tiempo, la Casa Batlló ha recibido un merecido reconocimiento internacional. Entre los numerosos premios que se le han otorgado, cabe destacar el de Mejor Exposición Internacional del 2022 que obtuvo en los Museums and Heritage Awards.

Un viaje a las profundidades del océano

Una vez atravesada la puerta de entrada, el espectáculo acuático comienza. El vestíbulo es la primera parada. El blanco y el azul son los colores que, desde este momento, acompañarán al visitante, junto a formas onduladas que ya anunciaba la fachada. Ya en la primera planta aguarda el que es el corazón de la Casa Batlló: la Planta Noble. Hablamos de esa zona del edificio, que puede verse desde la calle, conquistada por enormes ventanas de madera y vidrios de colores. Las ondulaciones del techo nos traen recuerdos de olas de espuma en movimiento.

Incluso nos llegan los sonidos de esa naturaleza que tanto inspiraba a Gaudí. Literalmente. Porque cada visitante tiene a su disposición una audioguía que mezcla música e información y que se activa tras pasar por determinados puntos de la visita haciendo de ella una experiencia totalmente inmersiva. Desde la Planta Noble, aguarda el jardín interior. En realidad, un patio de cerámica pensado para que los inquilinos disfrutaran en él de las horas crepusculares.

Otro de los puntos más destacados de la Casa Batlló, uno en torno al que se estructura todo el edificio, es la escalera. Tan bonita que ni siquiera querremos usar el ascensor. La luz que se distribuye a través de ellas lo hace gracias al conocido como patio de luces, un patio interior diseñado para aprovechar al máximo las horas de sol. Porque, recordemos, una de las cosas que mejor se le daba a Antonio Gaudí era conjugar el arte con la funcionalidad. Así, el objetivo de este patio es que esa luz natural llegue a todas las habitaciones por igual. Y lo consigue: con ventanas que son más grandes cuanto más abajo están.

El ascenso a la superficie de la Casa Batlló

El viaje continúa. Toda la visita a la Casa Batlló se ejecuta de abajo arriba, partiendo de un paisaje submarino hasta encontrarnos con esa luz del sol que la claraboya del patio interior moldea a su antojo. Esa luz que nos encuentra en la azotea, bañando las chimeneas de claro estilo gaudiano. Estamos en la superficie del mar, desde la que se pueden contemplar las vistas de Barcelona.

Justo aquí se sitúa el último punto de la visita, el desván, un espacio diáfano concebido para ejercer de planta de servicios. Un espacio donde estética y funcionalidad vuelven a conjugarse, esta vez en su máximo exponente. El blanco recuerda al paisaje Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Breve historia de una gran joya madrileña

Los orígenes de la Basílica de San Francisco el Grande se remontan a un antiguo convento franciscano. Según la leyenda, el convento fue fundado por Francisco de Asís hacia 1217. 

En el siglo XVIII, se decidió construir un templo más grande, que se encargó a Ventura Rodríguez. Finalmente, su proyecto no se llevó a cabo, y se escogió uno de Francisco Cabezas. Ya se concebía para el espacio una gran cúpula. 

En 1768 las obras se suspendieron y Cabezas abandonó el proyecto. Antonio Pló se encargó de finalizar el proyecto de la cúpula. En 1776, Sabatini se encargó de construir la fachada principal y las torres laterales. Durante la invasión francesa fue convertido en hospital.

Con los procesos de desamortización de Mendizábal, pasó a manos del Estado. A partir de 1869 pasó a ser Panteón Nacional, acogiendo los restos de Calderón de la Barca y Garcilaso de la Vega, entre otros. Además, a finales del siglo XIX, el templo sufrió una gran reforma. Ya durante el reinado de Alfonso XIII el templo fue devuelto a los franciscanos. La iglesia ha sufrido otras reformas destinadas a la restauración de sus frescos.

Descubriendo la Basílica de San Francisco el Grande

El exterior de la iglesia

En el exterior de San Francisco el Grande destaca la monumental fachada principal de Francesco Sabatini. Se trata de un corpus neoclásico, en el que el arquitecto tuvo que adaptar la fachada a la estructura circular. El resultado es una fachada clasicista convexa.

La fachada se distribuye en dos pisos. El primero consiste en tres arcos de medio punto, sustentados por pilastras dóricas, y separados por columnas adosadas. El segundo piso presenta tres vanos adintelados, de nuevo, separados por columnas. El conjunto se remata con un frontón triangular central y una balaustrada.

Sobre la balaustrada, hay cuatro estatuas de santos, provenientes de Londres. En el tímpano del frontón se representa la cruz de Jerusalén. Sobre él, el escudo franciscano y una corona real. A ambos extremos de la fachada, se elevan dos torres. Se rematan mediante chapiteles ondulados y veletas.

El interior de la Basílica de San Francisco el Grande

En el interior, sobre la rotonda, destaca la imponente cúpula. Se trata de la más grande de España y la cuarta más grande del mundo. Está ricamente decorada con pinturas murales del siglo XIX.

El tema principal es Nuestra Señora de los Ángeles. Se representan distintas escenas de reyes y santos adorado a la Virgen. Carlos Luis de Ribera y Fieve fue el encargado del diseño iconográfico.

En el perímetro de la rotonda, se encuentran las esculturas de los doce apóstoles. Son obra de Agapito Vallmitjana, Jerónimo Suñol y Ricardo Bellver, entre otros. Están esculpidas íntegramente en mármol de Carrara.

Uno de los rincones más bellos de la Basílica de San Francisco el Grande es la capilla mayor. Se encuentra en el ábside. Originalmente presentaba un cuadro con la Aparición de Cristo y la Virgen a San Francisco de Asís, de Bayeu. No obstante, en el siglo XIX se llevó a cabo una reforma, y el lienzo acabó en el coro.

La reforma enriqueció la capilla. La cabecera presenta cinco pinturas murales separadas por pilastras doradas. Las pinturas, ejecutadas por Manuel Domínguez y Alejandro Ferrant, relatan la vida del titular de la basílica. Las acompañan las estatuas de los cuatro Evangelistas.

En la capilla mayor también se puede observar la sillería renacentista del Monasterio de Santa María del Parral. Además, el templo cuenta con seis capillas, que se distribuyen a los lados de la rotonda simétricamente. Algunas de ellas cuentan con importantes pinturas. La capilla de San Bernardo alberga una pintura de Francisco de Goya sobre el santo.

El museo de San Francisco el Grande

San Francisco el Grande tiene un museo que cuenta con cincuenta y un cuadros. Además, entre sus fondos también podemos encontrar otros objetos litúrgicos de gran valor artístico.

Entre las obras, se encuentran importantes pinturas del barroco español e italiano. Así, destaca el San Jerónimo de Francisco Ribalta o San Antonio de Padua de Alonso Cano. También podemos encontrar Jesús y la samaritana de Artemisia Gentileschi y El descendimiento de Luis Tristán.

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Un recorrido por las esculturas de España

El Peine del Viento (San Sebastián)

Si hablamos de esculturas impresionantes en España, tenemos que empezar con este conjunto escultórico de San Sebastián. Allí donde la ciudad termina, el escultor Eduardo Chillida ideó este conjunto escultórico de acero en los acantilados del mar Cantábrico. Una visita obligada a través de un agradable paseo junto al mar en esta ciudad que siempre nos deja con la boca abierta. El curioso nombre de esta escultura se debe al objetivo artístico, que no es otro que conseguir que las olas indómitas entren en la bahía peinadas por el viento.

Puppy (Bilbao)

Una escultura sorprendente y original que ha dado la vuelta al mundo es la de Puppy. Hablamos de la mascota del Museo Guggenheim en Bilbao. Acostumbrados como estamos a las esculturas en piedra, en mármol y en otros materiales inertes, Puppy es una escultura diferentes, hecha de flores.

Claro que la escultura floral, que recrea un encantador cachorro escocés de la raza West Highland White Terrier, se asienta sobre una estructura de acero y en total pesa unas 16 toneladas. Puppy se ha convertido en el lugar favorito de los viajeros para posar e, incluso, hay quien dice que se trata de la mascota artística más famosa del mundo.

Maman (Bilbao)

En una ciudad de contrastes como Bilbao no podía faltar el contrapunto a la emotiva escultura de Puppy. Así, recorriendo el exterior del Museo Guggenheim nos topamos con una escultura impresionante y al mismo tiempo inquietante. Una araña gigante de casi 9 metros de altura elaborada en bronce, mármol y acero inoxidable. El prestigioso escultor Louise Bourgeois firma esta obra no apta para aracnofóbicos que no deja indiferente a nadie y que se ha convertido en una de las imágenes más representativas del museo.

Monumento al Castellers (Tarragona)

Una costumbre ancestral que además ha sido declarada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad sin duda se merece un gran monumento. Hablamos del Castell, una torre humana de varias alturas que se construye, anualmente, durante las fiestas de Cataluña, Baleares y Comunidad Valenciana. A cada una de las personas que forma parte de esta torre se la conoce como casteller. Y es precisamente esto lo que representa una de las esculturas más impresionantes de España.

Ubicada en Tarragona y diseñada por el artista Francesc Anglés, la escultura impresiona, no solo por sus 11 metros de altura, sino también por el realismo con el que el bronce plasma la magia de este particular castillo de personas. Personas, por cierto, entre las cuales se descubren rostros conocidos como los de Pablo Picasso o Joan Miró.

Fuente de Cibeles (Madrid)

Podríamos hacer una lista interminable de las esculturas de Madrid, pero vamos a centrarnos en las más representativas, en aquellas que se han convertido en símbolo de la ciudad. Una de ellas es el conjunto escultórico de la fuente de Cibeles, mundialmente conocida por ser el escenario de las celebraciones deportivas del Real Madrid.

El arquitecto Ventura Rodríguez diseñó esta fuente que representa a la diosa Cibeles o a la Madre Tierra sobre un carro tirado por leones. Francisco Gutiérrez fue el encargado de cincelar las figuras de la diosa y el carro, mientras que los leones corren a cargo de Roberto Michel.

El Oso y el Madroño (Madrid)

Protagonista de canciones e imagen recurrente de Madrid es la escultura de El Oso y el Madroño. La escultura, hecha en piedra y bronce por Antonio Navarro Santafé, lleva en la Puerta del Sol desde el año 1967. Por su ubicación, es imposible no toparse con ella. Ni siquiera el viajero más despistado puede evitar toparse con esta representación del escudo de la Villa que, además de ser otro de los símbolos de Madrid, es todo un éxito en Instagram.

La Dama de Elche (Madrid)

Vamos a entrar un momento a uno de los mejores museos de Madrid. Porque en el Museo Arqueológico Nacional nos encontramos con una de las esculturas de España más fascinantes. Se trata de la Dama de Elche, un busto realizado en piedra caliza que data de los siglos V-IV a.C. Esta dama, originaria de Elche, sigue atrayéndonos por su belleza y por su misterio. ¿Es una señora de la alta sociedad del pueblo íbero o se trata de una sacerdotisa?

El Gato de Botero (Barcelona)

Si Puppy se ha convertido por derecho propio en la mascota del Museo Guggenheim, el Gato de Botero es la mascota de la ciudad de Barcelona. Sus grandes dimensiones no le restan emotividad a este gato elaborado en bronce que ha vagado sin rumbo fijo por la ciudad desde el año 1987. Tuvo que esperar hasta 2003 para encontrar su ubicación actual, la Rambla del Raval, donde parece que se ha integrado a la perfección con habitantes y turistas.

Las esculturas de Oviedo (Asturias)

Un lugar en el que las esculturas no dejan de sorprender es Oviedo. Por sus calles se encuentran vendedores de pescado, lecheras, representaciones de la maternidad, caballos asturcones, pensadoras, gitanas, guisanderas, leones o bailarinas. Todas y cada una de las esculturas de Oviedo han encajado tan bien en el paisaje urbano que los viajeros no pueden descartar ninguna a la hora de hacerse un selfie. Hay incluso una ruta de esculturas orientada a los turistas, cuyas preferencias se decantan por la escultura de Woody Allen, El Viajero, la literaria Regenta y Mafalda.

Monumento a Bécquer (Sevilla)

Buscando lugares románticos en Sevilla el viajero puede que se encuentre con el impresionante Monumento a Bécquer, ubicado en el Parque de María Luisa. A los pies de un enorme ciprés se asientan las diferentes figuras de mármol y bronce de este conjunto escultórico. Entre ellas, un hombre tendido en el suelo roto de amor y un Cupido, rondando a las tres damas que representan, respectivamente, al amor ilusionado, al amor poseído y al amor perdido.

Y lo hacemos a través de Street Art Cities, una plataforma que busca poner en valor el arte urbano. Cada año, realizan un concurso para seleccionar los mejores murales del mundo, que son elegidos por el criterio de un jurado experto y una votación popular. En la lista del 2023, la presencia de artistas españoles es considerable, ya que ocupan la totalidad del top 5 de la categoría «Best Mural of the World», incluyendo el primer puesto.

Lista de los 5 mejores murales del mundo del 2023

5. ‘La magia de los sueños’, Kato

 

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Fabián Bravo Guerrero, conocido artísticamente como ‘Kato’, ha regalado a Fuengirola un delicado atardecer. En él, una niña sostiene una estrella de mar reluciente sobre un fondo en el que las olas del mar se funden con el cielo en un ocaso de luces cálidas.

En sintonía con su temática marina, La magia de los sueños se encuentra a un escaso kilómetro de las playas de Fuengirola. Más concretamente, el mural se puede observar en el número ocho de la Calle Valladolid, acompañado por otros bellos murales donde también merece la pena detenerse.

4. Sin título, Tinte Rosa

 

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El que ha sido votado cuarto entre los mejores murales del mundo no tiene título, pero sí un poderoso mensaje. Al fin y al cabo, fue creado por Tinte Rosa a raíz de la Semana Mundial de la Lactancia Materna, y transmite el cariño y el vínculo asociados al acto de amamantar a un bebé.

El mural puede encontrarse en Miranda de Ebro, en la calle Ronda del Ferrocarril 19. Una parada interesante si se quiere respirar un poco de arte en un paseo junto al río entre el Puente de Hierro y el Puente de Carlos III.

3. ‘Copora’, Yoe 33

 

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La obra condecorada con el tercer puesto nos traslada a una escena mística con un gran componente histórico. En palabras de Yoe 33, el mural «representa una mujer de la tribu de los Coporos, ataviada con enseres de su época». El misterioso bosque que la rodea crea una especie de portal a otra dimensión en plena ciudad.

La ubicación de la obra tampoco pasa desapercibida, ya que se sitúa frente a la inconfundible Muralla de Lugo. Ya sea a través de bosques paganos o fortificaciones milenarias, la riqueza histórica y cultural de este lugar permite asomarse a episodios del pasado que rozan la fantasía.

2. ‘A dona do estuario’, Lula Goce

 

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En segundo lugar, la obra de Lula Goce transporta a las tierras gallegas. La artista se la dedica a su madre y a sus raíces, y se inspira en el Estuario de Foz, en la desembocadura del río Miñor. Su entorno y su paisaje se personifican, en A dona do estuario, en una mujer que vela por la naturaleza. Como afirma Lula Goce, «Esta madre naturaleza cuida de su entorno y lo nutre para que el resto de seres vivos puedan vivir en equilibrio».

El mural se encuentra en el municipio de Nigrán, cerca del estuario al que hace referencia. Hay que acercarse a la Rúa dos Argonautas para encontrarlo, pero el recorrido merece la pena. Más allá del asombroso mural que se despliega en la fachada de un edificio, la obra se extiende por las superficies contiguas a lo largo de la calle, algo que crea la impresión de que las ramas de esta diosa de la naturaleza se extienden a través del lienzo urbano.

1. Sin título, Sfhir

 

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El primer puesto, y por lo tanto el título del mejor mural del mundo de 2023, lo ha obtenido una obra que también decora las calles de Galicia. Se trata del mural de Sfhir, realizado para el festival de arte urbano, muralismo y música Perla Mural Fest.

La obra ganadora sorprende, además de por la técnica y el diseño de su elegante violinista, por la forma en la que la imagen se adapta al edificio que la acoge. Además, no se pueden pasar por alto sus enormes dimensiones, con nueve pisos de mural vertical que parecen rasgar los límites de la realidad.

Esta fantástica pieza de arte urbano toca su canción silenciosa en A Coruña, en la Rúa da Fraga del municipio de Fene. Una obra donde convergen pintura, música y arquitectura que constituye la última parada perfecta para un paseo por algunos de los mejores murales del mundo.

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Breve historia de un museo que fue un convento

Aunque oficialmente se denomina Museu Valencià d’Etnologia, desde hace unos años usa también el nombre de L’ETNO. Lo creó a principios de los ochenta el escritor y antropólogo Joan Francesc Mira, con la idea de recuperar la identidad valenciana y difundir la cultura tradicional de la región. El Museo Valenciano de Etnología forma parte de un edificio singular que hoy día está estrechamente ligado a la cultura, el Centre Museístic La Beneficència. Pero este nombre ya sugiere la variedad de usos que ha tenido a lo largo de la historia.

La Beneficència se encuentra en la calle Corona de Valencia, que recibe ese nombre por la veneración de la Corona de Espinas de Nuestro Señor que practicaban los monjes franciscanos en el lugar. Lo cierto es que ya antes de los franciscanos estuvo presente aquí otra orden, la de los agustinos, nada menos que en 1520.

El nombre actual del recinto, sin embargo, se refiere a la Casa de Beneficiencia que se instaló en este convento de la Corona y su huerto en 1840, tras la desamortización de Mendizábal. La crisis de la industria de la seda había provocado una gran miseria, y para paliar la mendicidad que no cesaba de crecer se fundó esta institución benéfica. Así, entre estas paredes, huérfanos y mendigos podían aprender un oficio que les permitiese ganarse la vida.

De esa época decimonónica se conservan elementos como la magnífica iglesia neobizantina, que hoy es salón de actos, así como los jardines y fuentes del patio principal. En el presente, además del galardonado museo, el viejo convento acoge otros espacios museísticos como el Museo de Prehistoria de Valencia e instituciones como el Instituto Alfonso el Magnánimo, así como otros servicios de la Diputación de Valencia, en lo que es una clara apuesta por la cultura y el patrimonio.

Lo que cuentan las salas del Museo Valenciano de Etnología

Ese es el llamativo título que ostenta la exposición permanente del Museo Etnológico, «No es fácil ser valenciano/a». Aunque también hay espacio para culturas más alejadas, el grueso de las colecciones del museo se centra en la vida cotidiana en el País Valenciano, desplegando una gran cantidad de objetos domésticos, testimonios y todo tipo de documentos en papel. Desde el museo se afirma que proponen reflexionar sobre la identidad valenciana «desde el fin del mundo preindustrial hasta nuestros días».

Las colecciones están divididas en tres ámbitos distribuidos en sendas salas. El primero de ellos está dedicado a la ciudad y los cambios que tanto Valencia como otras urbes han vivido en los últimos tiempos. El segundo ámbito, «Huerta y marjal», ahonda en el imaginario de lo valenciano, desde la Albufera y las barracas hasta el carácter de los valencianos, y se pueden encontrar tanto herramientas del campo como las ineludibles paellas.

Por último, hay una sala dedicada al tema «secano y montaña», la realidad menos conocida del interior rural valenciano, un territorio olvidado que ve cómo se pierde su vida tradicional sin acabar de encontrar un lugar en la modernidad.

El conjunto es una magnífica oportunidad para conocer mucho mejor esta tierra y aquello que la define, desde los trajes regionales usados en las Fallas hasta las contradicciones de la ciudad contemporánea. Esto convierte a L’ETNO en una visita interesante no solo para quien se acerca por primera vez a la Comunidad Valenciana, sino para la propia población que desee conocer (o recordar) las esencias de su identidad colectiva.

Precisamente uno de los encantos que ofrece este museo para los propios valencianos es el de la nostalgia, puesto que comparte una multitud de objetos, fotografías y entrevistas que recogen la memoria oral de la región. Mientras que la sala dedicada a la ciudad tiene un carácter más clásico, la de huerta y marjal es más conceptual, muy innovadora, y en ella la escenografía es tan importante como los propios objetos expuestos: desde una cesta de naranjas hasta elementos festivos, religiosos o laborales.

La tercera sala, la del interior y la montaña, profundiza en esta apuesta vanguardista, y permite ver propuestas tan llamativas como un mapa de la zona que cubre toda la sala, un carro cargado de televisores o el mismo techo, que está repleto de objetos tradicionales que cuelgan hacia el visitante y lo obligan a adoptar una nueva perspectiva.

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Arte proscrito en un edificio modernista

El Museo del Arte Prohibido es una iniciativa del empresario y coleccionista Tatxo Benet, que ha reunido todas estas piezas con la intención, según se expresa en el manifiesto del museo, de ser una colección «irónica y reflexiva, mordaz y liberadora, crítica y empoderadora». El edificio escogido para acercarla al público es la Casa Garriga Nogués, una magnífica construcción de estilo modernista ecléctico obra de uno de los arquitectos más prolíficos y destacados del modernismo catalán, Enric Sagnier. Sagnier realizó este edificio para el banquero Rupert Garriga Nogués, en el cuadrado de oro del Eixample barcelonés (conocido así por la cantidad de edificios modernistas que concentra). El público local puede conocer este elegante edificio por haber sido sede de otra colección museística, la de la Fundación Francisco Godia, entre 2007 y 2015. Del edificio de Sagnier destaca un balcón sostenido por cuatro columnas obra del escultor Eusebi Arnau, que representa las cuatro etapas de la vida. En el interior, por su parte, las estrellas son la majestuosa escalera de mármol y los maravillosos vitrales.

Algunas de las impactantes obras del Museo del Arte Prohibido

En la edición de la feria ARCO de 2018, el fundador de este museo se hizo con una de las obras más polémicas de los últimos años, la instalación Presos políticos en la España contemporánea, de Santiago Serra. Apenas unas horas más tarde de la venta, la galería responsable la retiraba de su sitio, a causa de lo incómodo de su mensaje. Ese episodio fue la génesis de este museo, que despliega ante el visitante obras tan cuestionadas como las que vamos a ver ahora.

Ai Weiwei, Filippo Strozzi in Lego, 2016

El artista chino es conocido por su cualidad de disidente político en su país, una condición que ha marcado profundamente su obra. En esta pieza, vemos un retrato de una figura histórica realizada con piezas de Lego, que corresponde a un personaje florentino con el que se identifica por haber sufrido también persecución a causa de sus ideas. Aquí, por tanto, el perseguido es el propio artista y el personaje retratado, más que la obra en sí.

Francisco de Goya, Los caprichos, 1797-1799

Incluso una figura inmortal como Goya tuvo problemas a causa de algunas de sus obras, como esta serie de grabados en los que se criticaban y satirizaban muchas costumbres de su época. El hecho de que el clero y la nobleza fueran blanco de sus sátiras dio pie a una denuncia a la Inquisición, y Goya, temeroso de las consecuencias, retiró apresuradamente del mercado estas obras. De la famosa serie de grabados se muestran aquí algunos como Ya van desplumados, Mala noche, Duendecitos, El vergonzoso y muchos otros, hasta un total de dieciséis.

Abel Azcona, Amén o La pederastia, 2015

Si hay un nombre en España ligado a las polémicas con la Iglesia es el de Abel Azcona, acusado de blasfemia y censurado sistemáticamente. Un buen ejemplo de su obra, implacable con la institución eclesiástica, es Amén, más conocida como La pederastia, una instalación conceptual que Azcona realizó tras visitar durante varios meses iglesias y parroquias vinculadas a su niñez. En esas visitas reunió las 252 hostias de las que se compone la obra, obra que motivó un sinfín de protestas y demandas judiciales.

Ines Doujak, Not dressed for conquering - HC04 Transport, 2010

Otra escultura que levantó mucho revuelo es esta de la artista austríaca Ines Doujak, que muestra nada menos que al rey emérito sodomizado por una sindicalista y un perro. La grotesca escultura motivó en su momento la suspensión de una exposición colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, el MACBA, y la petición que hizo el propio director del centro de que se retirara, por considerarla inapropiada.

Pablo Ruiz Picasso, Raphaël et la Fornarina y Suite 347

Otro genio español presente en la colección es Picasso, que hacia el final de su vida realizó dos series de dibujos con un carácter sexual más o menos evidente. Rafael y la Fornarina vienen a ser variaciones sobre un cuadro de Ingres de 1814, mientras que la serie 347 son unos bocetos realizados a lo largo de 1968. El malagueño, pese a su avanzada edad, no dejaba de ser un adepto del erotismo y la sensualidad, como demuestran estas obras de pequeño formato.

Eugenio Merino, Always Franco, 2012

Una figura hiperrealista de Franco, vestido de gala y metido dentro de una nevera de refrescos, fue la escultura que llevó a su creador, Eugenio Merino, a enfrentarse a una demanda por “atentado al honor” del dictador y la fundación que lleva su nombre. Exhibida por primera vez en ARCO en 2012, finalmente la justicia reconocería que se trataba simplemente de arte y no suponía delito alguno. En palabras de su creador, la intención no era dañar al personaje, sino mostrar un icono de nuestra sociedad.

La muestra de obras problemáticas va mucho más allá de estos ejemplos que acabamos de ver, e incluye nombres tan afamados como Andy Warhol, Gustav Klimt, Antoni Tàpies o Miquel Barceló, además de otros artistas internacionales de prestigio como Robert Mapplethorpe, Keith Haring o Banksy. Todos ellos han tenido en algún momento algún encontronazo con los límites de lo aceptable, y esta colección viene a reivindicar precisamente eso, además de convertirse desde ya en uno de los museos más singulares de Barcelona.